ALBERTO THIRION;El Durango

viernes 25 de septiembre de 2009 El Artista más Famoso de México / Artist More Mexico Famous Como todos sabemos esta es la era de la informática,informatica es la ordenación de la información, Google me tiene ubicado com o el artista más famoso de México,no se por que,supongo que esto obedece al contenido relevante según me explicarón los que entienden de las tecnicas SEO,es decir estas son las gentes duchas en informática,el problema es que yo no tengo ni museo. Me pregunto como es esto? la informática es un fraude? o México es muy despistado,como es que Google esta enterado y México no. Quizá incluso cuando muera valla a dar a la fosa común como José Guadalupe Posada en vez de a la rotonda de los hombres ilustres que tragedia no ? As we all know this is the era of informatics, informatics is the management of information, Google has placed me com or artist more Mexico’s famous not know why, I guess this is due relevant content explained to me that understanding of SEO techniques, ie these are the showers people in computing, the problem is I do not I have no museum. I wonder how it is? Computing is a fraud? or Mexico is very confused, as is that Google is aware and Mexico. Maybe even when I die fence to give the mass grave Jose Guadalupe Posada rather than to the Roundabout famous men that tragedy?

Mi Respuesta Al Artículo “Entre Cuevas y Botero”

Alberto Thirion

Julio 11, 2009

Alberto Thirion;Artista de la América Profunda.

— Etiquetas:Arte de América —

Cuevas y Botero;Márchamo de la América Latina

Acabo de Leer que Cuevas y Botero son el Márchamo de América Latina y Que sus obras son paralelas,solo esto quedo en mi memoria lo demás es paja y desvaríos lo dice por ahí, un periodista , que no ve muy profundamente o no sabe gran cosa de arte ,creo que esta en lo cierto solo en una cosa; en que las obras son muy semejantes,ya que ambos pintan moustros y enfermos,solo que Botero dice que para el su pintura es un gran placer que le da un gran placer,que eso es la gran pintura,¡UN GRAN PLACER!por que ,el supone que lo que el hace es “gran pintura”,y sugiera que es muy diferente de la obra de Cuevas,solo suguiere medrosamente por que no lo dice abiertamente?¿Botero le tiene miedo a Cuevas ?

La obesidad es una enfermedad muy grave,de ella se deriban todas las enfermedades terminadas en”itis”,el médico mas tonto lo sabe,y es un gran problema público,pero esto el Colombiano parece no saberlo…a el solo le da un gran placer pintar gordos,esto de que la pintura es un gran placer lo dice Botero varias veces en el libro;CRISTINA PACHECO: LA LUZ DE MÉXICO-ENTREVISTAS CON PINTORES Y FOTÓGRAFOS MEXICANOS

En cuanto a su “estilo”,pintar gordos es un recurso muy corriente,es como dejarse el pelo largo o la Barba para tener “personalidad”,para ser reconocido para ser notado mediante este gastado truco.

Cuevitas a pesar de su infantilismo crónico,parece estar más conciente de que dibuja monstritos,el solo tubo la “genial” idea de dibujar al revés (mientras todos nos empeñamos en hacerlo bien)para hacerse notable, destacarse y así hacerse un nombre,en algunos migitorios y escusados de cantinas hay muchos dibujos muy semejantes a los de Cuevas,incluso mejores.Cuevas menos inconciente creo que se ubica entre los artistas llamados de protesta por los señores historiadores de arte.

A mí me parece menos malo Cuevas,pero desde luego ninguno me gusta para ser el sello de América,el Márchamo que nos da identidad y nombre por que eso es el arte verdad?el Márchamo de un gupo social o de un país en este caso hablamos de un Continente lo cual no es poca cosa.

Así es que el mejor Yo soy( Como dice mi mámá) Y… no tengo ni museo,pero no se los estoy pidiendo,queden se con su ceguera y su ignorancia junto con sus 2 grandes genios.

Periodismo de Investigación

Cuevas y Botero por Thirion

( II )

( Si esta usted interesado en leer este artículo con los enlaces que fueron la fuente de información,solo escriba en Google o en cualquier otro buscador;”Cuevas y Botero por Thirion”,pues yo no encontré la manera de poner aquí los enlaces.) Periodismo de Investigación

— El dom 12-jul-09, Alberto Thirion escribió:

De: Alberto Thirion

Asunto: Cuevas y Botero por Thirion

Los Mejores Genios en el Arte de la Riqueza

sábado 11 de julio de 2009

Cuevas y Botero por Thirion ( II )

Botero es más famoso que Cuevas.Así por Cuevas, se pierde para Mexico el ser el centro del arte de Latino América.Así lo dice Wikipedia.Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Antioquia). Considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo. Icono..

las figuras emblemáticas del arte latinoamericano actual,dice Mejía,y más adelante afirma

Siempre hubo un denominador común entre los conceptos artísticos y las obras de ambos,

Veta Cuevas a Botero por no reconocerlo

16 Jun 2008 … El pintor mexicano José Luis Cuevas asegura que el colombiano encontró e hizo de la obesidad un estilo gracias a él.

…………..om/cultura/articulo/446/891885/

Me puse a inbestigar un poco sobre lo que se dice de Cuevas y Botero,esto es lo que hay por ahí.

sábado 25 de abril de 2009

ESTRAGOS DE LA DIOSA PERRA

CUEVAS EN XALAPA

Nadie sabe cuál artista es más repetitivo y aburridor: Fernando Botero o Cuevas (¿se llama Fernando Cuevas? Ya no me acuerdo).. Se está presentando una exposición de grabados o algo así de Cuevas en Xalapa. La sala Ramón Alva de la Canal casi vacía. Los ¿cuadros?, ¿grabados? insisten en repetir los mismos rostros, los mismos cuerpos, las mismas figuras grotescas que lleva décadas vendiendo a algunos ignorantes. La exposición se llama, sospechosamente “Cuados pintados durante el coito” o algo así. Título sospechosamente parecido a los de mis libros Cuentos para después de hacer el amor, Cuenos para antes de hacer el amor, Cuentos EN LUGAR de hacer el amor (El imperio de las mujeres). Rostros inexpresivos, cuerpos deformes. Lo que podría ser una provocación (cuadros en los que se pintaran escenas eróticas de gran intensidad) resulta ser aburridor: nada especial, nada original, una sensualidad aburrida, sosa. Cuevas enamorado le pidió a su nueva esposa que aplicara color y efectivamente en las cuados hay un tono amarillento que se repite como fondo, sin matices. Platiqué con un admirado artista plástico xalapañeno cuyo nombre no registro para no involucrarlo en críticas que podrían perjudicarlo ante la institución en la que trabaja –que fue, de paso, la que trajo a los Cuevas a Xalapa– y él coincidió conmigo: Cuevas ya no experimenta, ya no se arriesga, cayó en la fosa que le abrió la Diosa Perra, la fama. Y sin embargo… fundió una de las estatuas más impresionantes del siglo XX: La Giganta. Me temo que el destino de los que alcanzan la gloria es repetirse, dormirse en los amargos laureles, convertirse en esperpentos sociales.

Publicado por Marco Tulio Aguilera a las 13:47

Etiquetas: Diario de MT, fama, Fernando Botero, Jose Luis Cuevas

Con esto recuerdo queunos días antes de morir Lourdes Chumacero,estando en su Galería de la Zona Rosa,viendo mi obra ,dijo lo mismo;”Cuevas es lo mismo y lo mismo”,ella estubo muy interesada en representar mi obra pero falleció,desafortunadamente.

Decía José Luis Cuevas en la Gaceta de Veracruz refiriendose a Fernando Botero: ” Ese es un imbecil, yo no quiero hablar de ese idiota

El artista plástico colombiano Fernando Botero, ha realizado 79 obras sobre la tortura a prisioneros en Abu Ghraib que expone en el museo de la American University en Washington DC. Botero ha declarado que el motivo de la realización de estas obras no es otro que el de “sacarse la rabia” ante una conducta “inaceptable” del Gobierno estadounidense.

Durante la estadía en Washington, Fernando Botero conoció a José Luis Cuevas. Ambos artistas permanecieron allí en contacto permanente durante una temporada, intercambiando ideas y discutiendo conceptos. Cuevas era un artista cuya obra, ya definida por el enfoque particular con que acometía su temática, estaba a punto de sufrir un cambio notable en su estructura plástica. Un dibujo suyo fechado el 29 de marzo de 1957, titulado Mujer y hombre observando un trozo de carne, nos presenta claramente esta transición: mientras el tronco de la mujer a la izquierda es una mancha que apenas sugiere volumen, tanto sus extremidades como el delineamiento del rostro poseen la expresa debilidad y roto esquematismo del período que empezaba a superar; por su parte, el robusto hombre de la derecha era de un volumen y un peso tremendamente densos como los que han caracterizado a sus dibujos desde entonces. Botero y Cuevas coincidían en el momento, no sólo en el carácter transitorio de sus trabajos, sino en la búsqueda que ambos realizaban (Botero a partir de Piero y Cuevas a partir de su recién descubierto Mantegna) para dotar a sus figuras de la fuerza plástica que convenía a sus propósitos expresivos. El hombre del dibujo mencionado de Cuevas y el personaje de Botero en El festín de Baltasar, se parecían de muchas maneras en su aspecto exterior. No así en su interior, en el concepto que separaba a uno del otro: mientras la figuración de Cuevas se cargaba de pathos, Botero ya daba señales de su objetividad inconmovible (12) . De Washington el colombiano pasó a Nueva York para conocer el ambiente de una ciudad que ya era el centro indiscutible del Arte Contemporáneo del mundo capitalista, quitándole tal privilegio a París. Aunque ya estaba declinando nacionalmente, 1957 fue el año en que el expresionismo abstracto de De Kooning, Pollock y Kline alcanzo la cumbre de sus repercusiones mundiales. El Botero que cuatro años antes estuvo en París y que se permitió ignorar a Soulage y Hartung, resultó ahora sacudido por las obras de los norteamericanos. En el fondo, todavía estaban presentes en él aquel romanticismo torturado de sus comienzos y cierta inclinación por el expresionismo. En De Kooning, el pintor que más lo atrajo, Botero encontró realizado plenamente lo que en Nolde y Orozco se cargaba de excesos dramáticos.

Creo que estos son los puntos más interesantes de este escrito:

En La enana (1957) Botero trabajó cautelosamente procurando evitar esta inconsistencia, pero no llegó muy lejos. Sin embargo, en esta pintura se manifestó como hecho importante su alejamiento de Obregón. Alejamiento manifiesto en el abandono de la fragmentación de pianos que, a la manera de Braque, situaban en el exterior todos los detalles de la composición. En La enana, la cabeza era del tamaño del tórax, pero las partes del rostro guardaban una relación normal entre ellas. La altura se acortaba por la expansión de la forma hacia los lados, pero esta expansión era tímida y ambigua, soslayando la posibilidad de que la masa adquiriera la forma que exigía la tremenda gravedad de su peso. Botero encontró, en este punto de su trayectoria, que todo el empeño lo había conducido a una zona, nunca prevista, en la que florecían lo monstruoso y lo feo. Su primera reacción fue de rechazo al sistema plástico que le daba su razón de ser a estas criaturas. De allí que La enana nos parezca sentada pero de un modo que el escorzo no define muy claramente. Un recurso para presentar, justificar y negar a un mismo tiempo su estructura anatómica. Como consecuencia de este rechazo, el título de la obra se puede entender entonces como un pretexto literario, tras del cual se escudaba el artista para explicarnos, en un arranque naturalista sin fundamento, la deformación evidente. La preocupación por eludir el feísmo la resolvió Botero con el uso decorativo del color y con un inexplicable alejamiento, en el caso de La enana, de las posibilidades monumentales que el hallazgo inicial ofrecía teóricamente. Fue este el origen del nuevo período cromático que entonces se inició y del énfasis fallido con que pretendió naturalizar ese humor que ya era inherente a su figuración. Del mismo modo que en La enana trató de normalizar las deformaciones contrapuntísticas, en Don Nuño Bufón (1957) se propuso darle origen a la sonrisa espontánea que siempre acogía sus pinturas..

12 El encuentro de los dos artistas en Washington y a gran aproximación formal entre sus obras durante el período expresionista de Botero, 1959-1962, ha dado origen a especulaciones según las cuales la figuración del colombiano se derivé de la del mexicano. En la edición de México en la Cultura, Suplemento de Siempre, de marzo 10 de 1971. CUEVAS declaró refiriéndose al año 1958: “Por esa época empecé a ejercer influencia. El colombiano Fernando Botero, por ejemplo, ‘estrené’ su conocido estiló después de ver una exposición mía en Nueva Nork en la que presenté mi Homenaje a Mantegna. Después Botero recibirla la influencia hasta de ‘oídas’, pues constantemente se informa de lo que estoy dibujando”. Creo que el análisis detenido de la trayectoria de Fernando Botero que aquí ensayo, desvirtúa ampliamente la megalomaníaca acusación del mexicano.

Bueno, muy bien y que es lo que dice la gente?que es lo que opina el pueblo?

por que esto es lo realmente importante,El pueblo siempre tiene la razón.

Pregunta;Tu consideras el trabajo de Jose Luis Cuevas como una obra de arte?

Según Cuevas, el estilo pictórico del pintor colombiano Fernando Botero fue adoptado por éste tras inspirarse en unos dibujos de Cuevas que vio en NY. Foto: Archivo/Excélsior

Conforme voy avanzando en mi indagación en torno a la obra de Botero y Cuevas encuentro más cosas sorprendentes,como estas!.

Y es que como dice “Don Toño”,Todo viene del dinero y toda va al dinero;Desde 400 a …….00 dólares, arte latinoamericano para todos los bolsillos.

En mi opinión como negocio deja mucho que desear,es mejor el Futbol,el Real Madrid,pagó …………..00 de euros por Cristiano Ronaldo,esto nos da una idea.

La obesidad, un problema de salud pública en México,y en el mundo.

De los 32 millones de adultos con sobrepeso en México, cinco millones están en riesgo de convertirse en pacientes diabéticos en los próximos cinco años, según la Organización Mundial de la Salud

Pero a Botero solo le da un gran placer.

Alberto Thirion

Julio 11, 2009

Alberto Thirion;Artista de la América Profunda.

Etiquetas:Arte de América —

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“La Muerte del Diablo”, es mi obra predilecta me da una gran satisfacción y un gran placer, a Botero se lo dan sus obras,un gran placer es para el la pintura(eso le dijo a Cristina Pacheco,la conocida periodista en una entrevista) no se por que, yo no veo ningún contenido en ellas, estuve en su muestra del museo Rufino Tamayo, hace ya muchos años; naturalmente que “el hombre es su obra” como dijo un viejo sabio amigo mio. Con respecto a José Luis Cuevas, no se yo ,si sus obras le den un gran placer como a Fernando Botero” y el sin duda alguna, es el márchamo de México”,por ser el pintor vivo más famoso de México,y seguramente según él, de toda la América Latina,mínimo!!!

Ahora recuerdo el último comentario que me llegó de esta obra.

Una pintora dejó un comentario en el libro de visitas de una de mis galerías virtuales y Dice textual mente “Jesús, no mata ni al Diablo, Jesús solo ama”.

Así es su Cristo, y yo desde luego, respeto su forma de pensar, el mío no, mi Cristo no tolera el mal, ni la basura, yo creo que por tolerar tanta mierda esta el mundo como está.

Creo que en este mundo todos estamos entre Dios y el Diablo,tal cual siempre se nos dijo.

Algunas reflexiones posteriores a “La Muerte del Diablo”.

La prensa me llama “La nueva leyenda”,por que su negocio es “la noticia”,yo no soy nada de eso,dicen que por que maté al diablo,que soy el primer artista que mata al diablo en toda la historia del arte y cosas de ese tipo.

Esto es absolutamente falso,al diablo lo mataron todos ustedes,yo solo soy como una antena que capta lo que esta en el aire,dándole forma y color en un cuadro.

Prueba de esto es por ejemplo;La Leyenda “El espinazo del Diablo”,del conocimiento de todo el pueblo,es una leyenda popular,popular!!!por que es del pueblo naturalmente.

Para los extranjeros hay que decir que “El espinazo del Diablo”,esta en la carretera Durango-Mazatlán,dicha carretera es de singular belleza por sus paisajes,el trazo de la carretera va sobre un voladero por los dos lados y cruza toda la sierra madre,la leyenda dice que este es, el espinazo del diablo por que aquí yace el diablo,no solo muerto sino petrificado por los siglos,así es que murió hace ya mucho tiempo.

El espinazo tiene más de tres mil metros de altura y se precipita a ambos lados de la carretera,creando un paisaje veraderamente hermoso.

El diablo está aquí muerto por la lucha entre el bien y el mal,la lucha la perdió el diablo,por que no permitia que el hombre viviera en la tierra,el bien esta encarnado en San Miguel.

la Belleza de esta historia esta precisamente en su naturaleza popular,se dice que la voz del pueblo es la voz de Dios.

Alberto Thirion

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El rumor de que no vendo mis obras originales por que me comprometí a entregarlas para la creación del museo que llevará mi nombre sige creciendo,se dice que “de que el río suena es que agua lleva”.

Espero que no se tarde mucho,mientras tanto no niego ni confirmo nada,por que así se me pidió.

la venta de mis reproducciónes al giclée es muy buena,mientras tanto.

Tengo derecho de gestionar mis obras como mejor me parsca con o sin museo,yo soy y estoy del mismo tamaño,ante mis propios ojos.

Si el museo no se lleva a cabo,yo soy y seré el mismo,sería un pobre de espíritu si me sintiera menos por eso.

Ya lo he dicho muchas veces a la prensa, soy caro,simplemente por que hoy los grandes artistas son los caros y no los buenos( y debo añadir aquí,que no me importa vender mi pintura,yo no vivo de de vender mi pintura, mi negocio, son las piedras preciosas y la joyería artesanal)bueno, soy caro por que soy el primer artista que mata al diablo en toda la historia del arte, y esto no es fácil,naturalmente!,yo soy el primero que mata al diablo en toda la historia del arte, desde las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira… hasta Picasso y el arte vale naturalmente!,por el impulso que lo produce,y no, por los caprichos del “Mercado del Arte”. Las obras de la serie;”La Muerte del Diablo”son las más caras,sin embargo, algunas de mis obras están al alcance de los coleccionistas, incluso algunas de ella pueden ser adquiridas hasta por coleccionistas digamos de,(como se dice ahora?)de”módicos recursos”,en alguna… oportunidad.Debo agregar,que siento un gran respeto por mi arte,es decir por mi mismo,por mi espìritu;nunca aceptè pintar para “El mercado del arte”;se me propuso muchas veces,que cambiara mi visiòn y mi estilo,trabajè en mil oficios ajenos al arte,soy tallador y conocedor de piedras preciosas y comerciante en ellas,igualmente trabajo el comercio internacional en plantas medicinales.En cuanto a reproducciones de mi obra,están para la venta en todas partes. Soy el más caro por que yo no pinto para vender;esto puede parecer una contradicción, para el que no entiende de arte, el conocedor sin duda alguna entenderá,el arte, vale por el impulso que lo produce. La enfermedad de hoy, entre los artistas se llama “vender”,ya no digamos entre los galeros y demas fauna del medio;el mercado del Arte Contemporáneo y sus valores esta totalmente manipulado. Se sabe y se dice,que el arte es el espíritu.Yo soy un profundo admirador de Pollock,creo que su obra de título;”Núnero Cinco″es considerada por muchos como la obra de arte más cara del mundo (…………..00 USD)es una gran obra,con un dibujo in-me-jor-able!!! , nunca jamás! captó el espíritu EstadoUnidense como él?sin duda es un gran dibujante, y en esta obra genial nos da el mejor testimonio de su genio. En cuanto a mi persona y mi arte: Soy el más caro,para darle realidad a mis sueños y lo confieso francamente. Mis dealers y galeros subieron el precio de algunas de mis obras hasta las nuves,en una “estrategia de ventas”,hoy el arte es una industria ,(todos los que ya le entramos al toro lo sabemos bien,lo digo para los muy jóvenes, que están llenos de ilusiones)funciona como una fabrica de jabones se toma a los artistas y se les fabrica como …….uego se les lanza al mercado,se les dice tú pintas esto y lo otro,y le quitas aquí y le pones allá,yo salí de pleito con mis dealers por que no querían que pintara cruces,así es que decidí seguirme siendo fiel a mismo,y no vivir del arte. Mi pintura y mi dibujo, es el vehículo real de mi auténtica personalidad es mi acento;mi espíritu,mi quinta esencia,es una decantación de mi personalidad,sin duda alguna,”por esto yo digo que;”El Arte es la Piel del Alma”. Los Profesionales aconsejan una presentación de la trayectoria artística o de la carrera, cosas pintorescas que interesen al gran público y no una lista interminable de exposiciones en ciudades digamos “dificíles de ubicar”ya sabemos todos, que todos los artistas tienen mucho éxito, y no inventan sus exposiciones ni cuentan mentiras para impresionar a la gente y ganar prestigio,esos viejos trucos ya no impresionan a nadie. A mi juicio Diego Rivera,dijo muchas tonterias y dijo muchas cosas ciertas y profundas,como esta;”Solo llegan a ser verdaderamente universales aquellos artistas que de tan nacionales,de tan oriundos de un lugar,llegan a ser parte integrante,plantas nativas del suelo que las produjo.Tan solo entonces,desde un lugar de la tierra,profundamente identificados con ella,la dominan y la poseen toda entera,entonces si en su redondez universal”. Yo,SOY NACIDO Y CRIADO EN DURANGO ,ESTE ESTADO ESTA SITUADO AL NORTE DE LA REPUBLICA MEXICANA.¨¨yo en mi cuna,encontré la hoja de ruta para toda mi vida¨¨decia,G…….oy vienen a mi mente sus palabras,cargadas(obviamente)de un profundo …….o pertenezco a una familia de terratenientes,dueños de grandes bosques desde hace muchos años,asi pues de la naturaleza me nutrí,considero a la madre naturaleza mi maestra,…….l “don” del dibujo, en mi es nato,(es decir la facultad de ver más profundamente)por esto siempre lo respeto,por ser en mi natural,(a las academias de arte nunca fuí a tomar clase, sino a platicar… con los compañeros)asi es, que hice de esta virtud,para mi grande virtud(para otros seguramente sera pequeña)mi profesion mas intima y mas querida,pues debo decir que me dedico también a la lapidación de piedras preciosas, andando por los montes me las encontre´,y me gusto´esto de los minerales. y la Gemología, la cual es una rama de la Mineralogía,pero volviendo al arte y a mi vocación,el dibujo para mi es muy importante,por que?pues por que el arte es el espíritu´,el espíritu´,de si mismo y el espíritu´( estoy como Dalí,no me refiero a mi gusto por la publicidad sino a la ortografía , pues sabido es que la de él era mucho peor que la mia)pero bueno ,decia que,) o la esencia de las cosas,así pues, el dibujo es una forma de conocimiento de si mismo y de nuestro entorno, siendo asi la confesión mas profunda e íntima y un medio de comunión con todos los hombres, y con todas las mujeres por …….or el dibujo me conocí a mi mismo,y esto no es poca cosa,por el dibujo tuvo conocimiento de la vida y de las cosas. Mi pintura desde 1974 se vende bien,ese año estuve por primera vez en una galeria de cierto prestigio(en el mundo del arte mexicano)ahi estuve como artista exclusivo hasta que desapareció, era propiedad de una familia de periodistas muy importantes de la Cd. de México,la galeria se llamaba ¨¨LAI¨¨.luego estuve en otras,ahora estoy en;”LA GALERIA MAREN”y,en “LA GALERIA CORDOURIER”que también son importantes, en la Cd.De Mé…….hora,vendo por Internet, mi email es;******* bién yo,pienso …….sted llegó hasta aqui por que esta …….uscando algo;Ruskin lo dijo bién;la misión del arte es; “Embellecer el alma del pueblo”,eso es lo que yo vendo, medicina para el …….o se por que asi me lo dijeron,mis compañeros artistas y mi tío “Palle”,que era farmacéutico en Tijuana y San Diego,C…….si fué como me descubrieron a mi mismo. —————————————————– (Estas lineas se publicaron en una Revista que cayó en mis manos en días pasados) Dos Méxicanos;Jose Luis Cuevas y Alberto Thirion,dos visiones opuestas de la realidad Mexicana;del acento de México;del márchamo de un país,de una cultura,del sello de la …….el arte del país. ¿ quien tiene razón cúal visón es más profunda? ¿Cuál arte define y defiende a México? Dicho sea esto al margen de que cada uno de ellos sea o no fiel a si mismo,a su cuna y a su visón. ¿ Qué no es el arte,el sello y firma de la patria ? Ahora este asunto sobre Cuevas se publicó en Google. Y pues sí, digo yo, en este momento José Luis, es el pintor mas popular o famoso de México y el representante de la pintura mexicana en el mundo ¿esto lo hace el abanderado de la pintura mexicana ante el mundo? si definitivamente, pero…. ¡EL UNICO MOUSTRO ES EL!,mejor dicho “El Monstruo y el Monumento”como se titula si mal no recuerdo su último libro. Ya que como sabemos,toda obra de arte es en última instancia un autorretrato. El periodismo cibernético y el publico en general,insisten en asociar mi obra a la de Jose Luis Cuevas…¿ será por que me llaman; “El asesino del diablo”? Lo cierto es que casos y cosas así como;lo que se a dado en llamar, “Las Muertas de Juárez”o el caso del pederasta,Jean Succar Kuri;ponen de manifiesto la vigencia indudablemente de la obra de José Luis. Pero sobre todo la necesidad de matar al Diablo de una vez por todas y desde este punto de vista mi obra no seria opuesta sino en caso dada complementaria de la obra del famoso José Luis Cuevas. Para terminar quisiera citar unas palabras de mi tocayo.Albert Einstein ” La vida es peligrosa,no por los hombres que hacen el mal,sino por los que se sientan a ver lo que pasa” Lo que da valor al arte es el impulso que lo produce,ya que este es el contenido de la obra, si vemos el arte en su sentido social no es sino un alimento espiritual para el pueblo, así vemos que hay arte que nutre,arte estéril y arte tóxico que envenena y mata a los pueblos,desde luego el mercado del arte conciente de su papel solo nos da lo mejor, por eso la nuestra es una sociedad sana y esto todos lo podemos ver claramente,verdad? —————————————————— La miseria en el mundo es grande y los pobres de la tierra son muchos ( yo no soy rico,pero Dios me permitió estudiar Gemología,que es, lo digo para los que no lo sepan, el estudio de las piedras preciosas,así mismo Él, me permitió encontrarlas en grandes cantidades)bueno el caso es que estamos donando para su venta grandes lotes de gemas muy raras y por lo mismo muy caras a instituciones internacionales de sólido prestigio,al vender los lotes cedemos el 75% a la institución altruista. Esto lo comento aquí,por que así lo estoy haciendo en todos mis sitios web,ya que deseo que esto se difunda y llege la ayuda a toda esa gente que tanto lo necesita,yo como arista a carta cabal que soy, no necesito, a Dios gracias! de lujos y vanidaes,las piedras preciosas me interesan más por su belleza que por su valor,por lo demás disfruto veraderamente de las montañas del buscarlas y del encontrarlas. —————————————————— Quizá La sentencia de Buffon “El estilo es el hombre”,podria extenderse a “El Mensaje es el Estilo”.Como quiera que sea,Mi estilo es Romántico o Cristiano, y no Surrealista como se a venido diciendo.Esto lo digo por que es importante ubicarse. Desde hace mucho tiempo en “Artmajeur” un conocida galeria en linea,soy el artista más popular de México en el mundo,lo digo por que me da mucho gusto,estar imponiendo en el gusto del publico la muerte del Diablo. Esto no fué fácil,al principio,hace 20 años, cuando comencé con esta serie de fuerte contenido,me corrieron de las galerias. Luego ya que pudieron digerir la obra,fueron a buscarme, pidiendome disculpas diciendo”No te vallas,no nos dejes,aquí estamos los mejores”,algunos de estos compañeros artistas eran espiritualistas o espiritistas,no sé cual es el termino correcto.

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*Dado que coincido plenamente con el concepto de arte de;Juan Pablo II,pongo aquí su carta,seguramente el dice las cosas mejor que yo,aquí y ahora su voz es mi voz,por que todos los homres somos uno en Cristo. CARTA DEL SANTO PADRE JUAN PABLO II A LOS ARTISTAS CIUDAD DEL VATICANO, 1999 A los que con apasionada entrega buscan nuevas «epifanías» de la belleza para ofrecerlas al mundo a través de la creación artística. «Dios vio cuanto había hecho, y todo estaba muy bien» (Gn 1, 31) El artista, imagen de Dios Creador ÍNDICE 1. El artista, imagen de Dios Creador 2. La especial vocación del artista 3. La vocación artística al servicio de la belleza 4. El artista y el bien común 5. El arte ante el misterio del Verbo encarnado 6. Alianza fecunda entre Evangelio y arte 7. Los principios 8. La Edad Media 9. Humanismo y Renacimiento 10. Hacia un diálogo renovado 11. En el espíritu del Concilio Vaticano II 12. La Iglesia tiene necesidad del arte 13. El arte, ¿tiene necesidad de la Iglesia? 14. Llamada a los artistas 15. Espíritu creador e inspiración artística 16. La «Belleza» que salva El artista, imagen de Dios Creador 1. Nadie mejor que vosotros, artistas, genia les constructores de belleza, puede intuir algo del pathos con el que Dios, en el alba de la creación, contempló la obra de sus manos. Un eco de aquel sentimiento se ha reflejado infinitas veces en la mirada con que vosotros, al igual que los artistas de todos los tiempos, atraídos por el asombro del ancestral poder de los sonidos y de las palabras, de los colores y de las formas, habéis admirado la obra de vuestra inspiración, descubriendo en ella como la resonancia de aquel misterio de la creación a la que Dios, único creador de todas las cosas, ha querido en cierto modo asociaros. Por esto me ha parecido que no hay palabras más apropiadas que las del Génesis para comenzar esta Carta dirigida a vosotros, a quienes me siento unido por experiencias que se remontan muy atrás en el tiempo y han marcado de modo indeleble mi vida. Con este texto quiero situarme en el camino del fecundo diálogo de la Iglesia con los artistas que en dos mil años de historia no se ha interrumpido nunca, y que se presenta también rico de perspectivas de futuro en el umbral del tercer milenio. En realidad, se trata de un diálogo no solamente motivado por circunstancias históricas o por razones funcionales, sino basado en la esencia misma tanto de la experiencia religiosa como de la creación artística. La página inicial de la Biblia nos presenta a Dios casi como el modelo ejemplar de cada persona que produce una obra: en el hombre artífice se refleja su imagen de Creador. Esta relación se pone en evidencia en la lengua polaca, gracias al parecido en el léxico entre las palabras stwóeca (creador) y twórcam (artífice). ¿Cuál es la diferencia entre «creador» y «artífice»? El que crea da el ser mismo, saca alguna cosa de la nada —ex nihilo sui et subiecti, se dice en latín— y esto, en sentido estricto, es el modo de proceder exclusivo del Omnipotente. El artífice, por el contrario, utiliza algo ya existente, dándole forma y significado. Este modo de actuar es propio del hombre en cuanto imagen de Dios. En efecto, después de haber dicho que Dios creó el hombre y la mujer «a imagen suya» (cf. Gn 1, 27), la Biblia añade que les confió la tarea de dominar la tierra (cf. Gn 1, 28). Fue en el último día de la creación (cf. Gn 1, 28-31). En los días precedentes, como marcando el ritmo de la evolución cósmica, el Señor había creado el universo. Al final creó al hombre, el fruto más noble de su proyecto, al cual sometió el mundo visible como un inmenso campo donde expresar su capacidad creadora. Así pues, Dios ha llamado al hombre a la existencia, transmitiéndole la tarea de ser artífice. En la «creación artística» el hombre se revela más que nunca «imagen de Dios» y lleva a cabo esta tarea ante todo plasmando la estupenda « materia » de la propia humanidad y, después, ejerciendo un dominio creativo sobre el universo que le rodea. El Artista divino, con admirable condescendencia, trasmite al artista humano un destello de su sabiduría trascendente, llamándolo a compartir su potencia creadora. Obviamente, es una participación que deja intacta la distancia infinita entre el Creador y la criatura, como señalaba el Cardenal Nicolás de Cusa: «El arte creador, que el alma tiene la suerte de alojar, no se identifica con aquel arte por esencia que es Dios, sino que es solamente una comunicación y una participación del mismo».1 Por esto el artista, cuanto más consciente es de su «don», tanto más se siente movido a mirar hacia sí mismo y hacia toda la creación con ojos capaces de contemplar y de agradecer, elevando a Dios su himno de alabanza. Sólo así puede comprenderse a fondo a sí mismo, su propia vocación y misión. La especial vocación del artista 2. No todos están llamados a ser artistas en el sentido específico de la palabra. Sin embargo, según la expresión del Génesis, a cada hombre se le confía la tarea de ser artífice de la propia vida; en cierto modo, debe hacer de ella una obra de arte, una obra maestra. Es importante entender la distinción, pero también la conexión, entre estas dos facetas de la actividad humana. La distinción es evidente. En efecto, una cosa es la disposición por la cual el ser humano es autor de sus propios actos y responsable de su valor moral, y otra la disposición por la cual es artista y sabe actuar según las exigencias del arte, acogiendo con fidelidad sus dictámenes especí……. Por eso el artista es capaz de producir objetos, pero esto, de por sí, nada dice aún de sus disposiciones morales. En efecto, en este caso, no se trata de realizarse uno mismo, de formar la propia personalidad, sino solamente de poner en acto las capacidades operativas, dando forma estética a las ideas concebidas en la mente. Pero si la distinción es fundamental, no lo es menos la conexión entre estas dos disposiciones, la moral y la artística. Éstas se condicionan profundamente de modo recíproco. En efecto, al modelar una obra el artista se expresa a sí mismo hasta el punto de que su producción es un reflejo singular de su mismo ser, de lo que él es y de cómo es. Esto se confirma en la historia de la humanidad, pues el artista, cuando realiza una obra maestra, no sólo da vida a su obra, sino que por medio de ella, en cierto modo, descubre también su propia personalidad. En el arte encuentra una dimensión nueva y un canal extraordinario de expresión para su crecimiento espiritual. Por medio de las obras realizadas, el artista habla y se comunica con los otros. La historia del arte, por ello, no es sólo historia de las obras, sino también de los hombres. Las obras de arte hablan de sus autores, introducen en el conocimiento de su intimidad y revelan la original contribución que ofrecen a la historia de la cultura. La vocación artística al servicio de la belleza 3. Escribe un conocido poeta polaco, Cyprian Norwid: «La belleza sirve para entusiasmar en el trabajo, el trabajo para resurgir».3 El tema de la belleza es propio de una reflexión sobre el arte. Ya se ha visto cuando he recordado la mirada complacida de Dios ante la creación. Al notar que lo que había creado era bueno, Dios vio también que era ……. La relación entre bueno y bello suscita sugestivas reflexiones. La belleza es en un cierto sentido la expresión visible del bien, así como el bien es la condición metafísica de la belleza. Lo habían comprendido acertadamente los griegos que, uniendo los dos conceptos, acuñaron una palabra que comprende a ambos: «kalokagathia», es decir «belleza-bondad». A este respecto escribe Platón: «La potencia del Bien se ha refugiado en la naturaleza de lo Bello».5 El modo en que el hombre establece la propia relación con el ser, con la verdad y con el bien, es viviendo y trabajando. El artista vive una relación peculiar con la belleza. En un sentido muy real puede decirse que la belleza es la vocación a la que el Creador le llama con el don del «talento artístico». Y, ciertamente, también éste es un talento que hay que desarrollar según la lógica de la parábola evangélica de los talentos (cf. Mt 25, 14-30). Entramos aquí en un punto esencial. Quien percibe en sí mismo esta especie de destello divino que es la vocación artística —de poeta, escritor, pintor, escultor, arquitecto, músico, actor, etc.— advierte al mismo tiempo la obligación de no malgastar ese talento, sino de desarrollarlo para ponerlo al servicio del prójimo y de toda la humanidad. El artista y el bien común 4. La sociedad, en efecto, tiene necesidad de artistas, del mismo modo que tiene necesidad de científicos, técnicos, trabajadores, profesionales, así como de testigos de la fe, maestros, padres y madres, que garanticen el crecimiento de la persona y el desarrollo de la comunidad por medio de ese arte eminente que es el « arte de educar ». En el amplio panorama cultural de cada nación, los artistas tienen su propio lugar. Precisamente porque obedecen a su inspiración en la realización de obras verdaderamente válidas y bellas, non sólo enriquecen el patrimonio cultural de cada nación y de toda la humanidad, sino que prestan un servicio social cualificado en beneficio del bien común. La diferente vocación de cada artista, a la vez que determina el ámbito de su servicio, indica las tareas que debe asumir, el duro trabajo al que debe someterse y la responsabilidad que debe afrontar. Un artista consciente de todo ello sabe también que ha de trabajar sin dejarse llevar por la búsqueda de la gloria banal o la avidez de una fácil popularidad, y menos aún por la ambición de posibles ganancias personales. Existe, pues, una ética, o más bien una «espiritualidad» del servicio artístico que de un modo propio contribuye a la vida y al renacimiento de un pueblo. Precisamente a esto parece querer aludir Cyprian Norwid cuando afirma: «La belleza sirve para entusiasmar en el trabajo, el trabajo para resurgir». El arte ante el misterio del Verbo encarnado 5. La ley del Antiguo Testamento presenta una prohibición explícita de representar a Dios invisible e inexpresable con la ayuda de una «imagen esculpida o de metal fundido» (Dt 27, 25), porque Dios transciende toda representación material: «Yo soy el que soy» (Ex 3, 14). Sin embargo, en el misterio de la Encarnación el Hijo de Dios en persona se ha hecho visible: «Al llegar la plenitud de los tiempos, Dios envió a su Hijo, nacido de mujer» (Ga 4, 4). Dios se hizo hombre en Jesucristo, el cual ha pasado a ser así «el punto de referencia para comprender el enigma de la existencia humana, del mundo creado y de Dios mismo».6 Esta manifestación fundamental del «Dios-Misterio» aparece como animación y desafío para los cristianos, incluso en el plano de la creación artística. De ello se deriva un desarrollo de la belleza que ha encontrado su savia precisamente en el misterio de la Encarnación. En efecto, el Hijo de Dios, al hacerse hombre, ha introducido en la historia de la humanidad toda la riqueza evangélica de la verdad y del bien, y con ella ha manifestado también una nueva dimensión de la belleza, de la cual el mensaje evangélico está repleto. La Sagrada Escritura se ha convertido así en una especie de «inmenso vocabulario» (P. Claudel) y de «Atlas iconográfico» (M. Chagall) del que se han nutrido la cultura y el arte cristianos. El mismo Antiguo Testamento, interpretado a la luz del Nuevo, ha dado lugar a inagotables filones de inspiración. A partir de las narraciones de la creación, del pecado, del diluvio, del ciclo de los Patriarcas, de los acontecimientos del éxodo, hasta tantos otros episodios y personajes de la historia de la salvación, el texto bíblico ha inspirado la imaginación de pintores, poetas, músicos, autores de teatro y de cine. Una figura como la de Job, por citar sólo un ejemplo, con su desgarradora y siempre actual problemática del dolor, continúa suscitando el interés filosófico, literario y artístico. Y ¿qué decir del Nuevo Testamento? Desde la Navidad al Gólgota, desde la Transfiguración a la Resurrección, desde los milagros a las enseñanzas de Cristo, llegando hasta los acontecimientos narrados en los Hechos de los Apóstoles o los descritos por el Apocalipsis en clave escatológica, la palabra bíblica se ha hecho innumerables veces imagen, música o poesía, evocando con el lenguaje del arte el misterio del «Verbo hecho carne». Todo ello constituye un vasto capítulo de fe y belleza en la historia de la cultura, del que se han beneficiado especialmente los creyentes en su experiencia de oración y de vida. Para muchos de ellos, en épocas de escasa alfabetización, las expresiones figurativas de la Biblia representaron incluso una concreta mediación catequé……. Pero para todos, creyentes o no, las obras inspiradas en la Escritura son un reflejo del misterio insondable que rodea y está presente en el mundo. Alianza fecunda entre Evangelio y arte 6. La auténtica intuición artística va más allá de lo que perciben los sentidos y, penetrando la realidad, intenta interpretar su misterio escondido. Dicha intuición brota de lo más íntimo del alma humana, allí donde la aspiración a dar sentido a la propia vida se ve acompañada por la percepción fugaz de la belleza y de la unidad misteriosa de las cosas. Todos los artistas tienen en común la experiencia de la distancia insondable que existe entre la obra de sus manos, por lograda que sea, y la perfección fulgurante de la belleza percibida en el fervor del momento creativo: lo que logran expresar en lo que pintan, esculpen o crean es sólo un tenue reflejo del esplendor que durante unos instantes ha brillado ante los ojos de su espíritu. El creyente no se maravilla de esto: sabe que por un momento se ha asomado al abismo de luz que tiene su fuente originaria en Dios. ¿Acaso debe sorprenderse de que el espíritu quede como abrumado hasta el punto de no poder expresarse sino con balbuceos? El verdadero artista está dispuesto a reconocer su limitación y hacer suyas las palabras del apóstol Pablo, según el cual «Dios no habita en santuarios fabricados por manos humanas», de modo que «no debemos pensar que la divinidad sea algo semejante al oro, la plata o la piedra, modelados por el arte y el ingenio humano» (Hch 17, …….9). Si ya la realidad íntima de las cosas está siempre «más allá» de las capacidades de penetración humana, ¡cuánto más Dios en la profundidad de su insondable misterio! El conocimiento de la fe es de otra naturaleza. Supone un encuentro personal con Dios en Jesucristo. Este conocimiento, sin embargo, puede también enriquecerse a través de la intuición artística. Un modelo elocuente de contemplación estética que se sublima en la fe son, por ejemplo, las obras del Beato Angélico. A este respecto, es muy significativa la lauda extática que San Francisco de Asís repite dos veces en la chartula compuesta después de haber recibido en el monte Verna los estigmas de Cristo: «¡Tú eres belleza… Tú eres belleza!».8 San Buenaventura comenta: «Contemplaba en las cosas bellas al Bellísimo y, siguiendo las huellas impresas en las criaturas, seguía a todas partes al Amado».9 Una sensibilidad semejante se encuentra en la espiritualidad oriental, donde Cristo es calificado como «el Bellísimo, de belleza superior a todos los mortales».10 Macario el Grande comenta del siguiente modo la belleza transfigurante y liberadora del Resucitado: «El alma que ha sido plenamente iluminada por la belleza indecible de la gloria luminosa del rostro de Cristo, está llena del Espíritu Santo… es toda ojo, toda luz, toda rostro».11 Toda forma auténtica de arte es, a su modo, una vía de acceso a la realidad más profunda del hombre y del mundo. Por ello, constituye un acercamiento muy válido al horizonte de la fe, donde la vicisitud humana encuentra su interpretación completa. Este es el motivo por el que la plenitud evangélica de la verdad suscitó desde el principio el interés de los artistas, particularmente sensibles a todas las manifestaciones de la íntima belleza de la realidad. Los principios 7. El arte que el cristianismo encontró en sus comienzos era el fruto maduro del mundo clásico, manifestaba sus cánones estéticos y, al mismo tiempo, transmitía sus valores. La fe imponía a los cristianos, tanto en el campo de la vida y del pensamiento como en el del arte, un discernimiento que no permitía una recepción automática de este patrimonio. Así, el arte de inspiración cristiana comenzó de forma silenciosa, estrechamente vinculado a la necesidad de los creyentes de buscar signos con los que expresar, basándose en la Escritura, los misterios de la fe y de disponer al mismo tiempo de un «código simbólico», gracias al cual poder reconocerse e identificarse, especialmente en los tiempos difíciles de persecución. ¿Quién no recuerda aquellos símbolos que fueron también los primeros inicios de un arte pictórico o plástico? El pez, los panes o el pastor evocaban el misterio, llegando a ser, casi insensiblemente, los esbozos de un nuevo arte. Cuando, con el edicto de Constantino, se permitió a los cristianos expresarse con plena libertad, el arte se convirtió en un cauce privilegiado de manifestación de la fe. Comenzaron a aparecer majestuosas basílicas, en las que se asumían los cánones arquitectónicos del antiguo paganismo, plegándolos a su vez a las exigencias del nuevo culto. ¿Cómo no recordar, al menos, las antiguas Basílicas de San Pedro y de San Juan de Letrán, construidas por cuenta del mismo Constantino, o ese esplendor del arte bizantino, la Haghia Sophia de Constantinopla, querida por Justiniano? Mientras la arquitectura diseñaba el espacio sagrado, la necesidad de contemplar el misterio y de proponerlo de forma inmediata a los sencillos suscitó progresivamente las primeras manifestaciones de la pintura y la escultura. Surgían al mismo tiempo los rudimentos de un arte de la palabra y del sonido. Y, mientras Agustín incluía entre los numerosos temas de su producción un De musica, Hilario, Ambrosio, Prudencio, Efrén el Sirio, Gregorio Nacianceo y Paulino de Nola, por citar sólo algunos nombres, se hacían promotores de una poesía cristiana, que con frecuencia alcanzaba un alto valor no sólo teológico, sino también literario. Su programa poético valoraba las formas heredadas de los clásicos, pero se inspiraba en la savia pura del Evangelio, como sentenciaba con acierto el santo poeta de Nola: «Nuestro único arte es la fe y Cristo nuestro canto».12 Por su parte, Gregorio Magno, con la compilación del Antiphonarium, ponía poco después las bases para el desarrollo orgánico de una música sagrada tan original que de él ha tomado su nombre. Con sus inspiradas modulaciones el Canto gregoriano se convertirá con los siglos en la expresión melódica característica de la fe de la Iglesia en la celebración litúrgica de los sagrados misterios. Lo «bello» se conjugaba así con lo «verdadero», para que también a través de las vías del arte los ánimos fueran llevados de lo sensible a lo eterno. En este itinerario no faltaron momentos difíciles. Precisamente la antigüedad conoció una áspera controversia sobre la representación del misterio cristiano, que ha pasado a la historia con el nombre de «lucha iconoclasta». Las imágenes sagradas, muy difundidas en la devoción del pueblo de Dios, fueron objeto de una violenta contestación. El Concilio celebrado en Nicea el año 787, que estableció la licitud de las imágenes y de su culto, fue un acontecimiento histórico no sólo para la fe, sino también para la cultura misma. El argumento decisivo que invocaron los Obispos para dirimir la discusión fue el misterio de la Encarnación: si el Hijo de Dios ha entrado en el mundo de las realidades visibles, tendiendo un puente con su humanidad entre lo visible y lo invisible, de forma análoga se puede pensar que una representación del misterio puede ser usada, en la lógica del signo, como evocación sensible del misterio. El icono no se venera por sí mismo, sino que lleva al sujeto …….3 La Edad Media 8. Los siglos posteriores fueron testigos de un gran desarrollo del arte cristiano. En Oriente continuó floreciendo el arte de los iconos, vinculado a significativos cánones teológicos y estéticos y apoyado en la convicción de que, en cierto sentido, el icono es un sacramento. En efecto, de forma análoga a lo que sucede en los sacramentos, hace presente el misterio de la Encarnación en uno u otro de sus aspectos. Precisamente por esto la belleza del icono puede ser admirada sobre todo dentro de un templo con lámparas que arden, produciendo infinitos reflejos de luz en la penumbra. Escribe al respecto Pavel Florenskij: «El oro, bárbaro, pesado y fútil a la luz difusa del día, se reaviva a la luz temblorosa de una lámpara o de una vela, pues resplandece en miríadas de centellas, haciendo presentir otras luces no terrestres que llenan el espacio celeste».14 En Occidente los puntos de vista de los que parten los artistas son muy diversos, dependiendo en parte de las convicciones de fondo propias del ambiente cultural de su tiempo. El patrimonio artístico que se ha ido formando a lo largo de los siglos cuenta con innumerables obras sagradas de gran inspiración, que provocan una profunda admiración aún en el observador de hoy. Se aprecia, en primer lugar, en las grandes construcciones para el culto, donde la funcionalidad se conjuga siempre con la fantasía, la cual se deja inspirar por el sentido de la belleza y por la intuición del misterio. De aquí nacen los estilos tan conocidos en la historia del arte. La fuerza y la sencillez del románico, expresada en las catedrales o en los monasterios, se va desarrollando gradualmente en la esbeltez y el esplendor del gótico. En estas formas, no se aprecia únicamente el genio de un artista, sino el alma de un pueblo. En el juego de luces y sombras, en las formas a veces robustas y a veces estilizadas, intervienen consideraciones de técnica estructural, pero también las tensiones características de la experiencia de Dios, misterio «tremendo» y «fascinante». ¿Cómo sintetizar en pocas palabras, y para las diversas expresiones del arte, el poder creativo de los largos siglos del medievo cristiano? Una entera cultura, aunque siempre con las limitaciones propias de todo lo humano, se impregnó del Evangelio y, cuando el pensamiento teológico producía la Summa de Santo Tomás, el arte de las iglesias doblegaba la materia a la adoración del misterio, a la vez que un gran poeta como Dante Alighieri podía componer «el poema sacro, en el que han dejado su huella el cielo y la tierra»,15 como él mismo llamaba la Divina Comedia. Humanismo y Renacimiento 9. El fértil ambiente cultural en el que surge el extraordinario florecimiento artístico del Humanismo y del Renacimiento, tiene repercusiones significativas también en el modo en que los artistas de este período abordan el tema religioso. Naturalmente, al menos en aquéllos más importantes, las inspiraciones son tan variadas como sus estilos. No es mi intención, sin embargo, recordar cosas que vosotros, artistas, sabéis de sobra. Al escribiros desde este Palacio Apostólico, que es también como un tesoro de obras maestras acaso único en el mundo, quisiera más bien hacerme voz de los grandes artistas que prodigaron aquí las riquezas de su ingenio, impregnado con frecuencia de gran hondura espiritual. Desde aquí habla Miguel Ángel, que en la Capilla Sixtina, desde la Creación al Juicio Universal, ha recogido en cierto modo el drama y el misterio del mundo, dando rostro a Dios Padre, a Cristo juez y al hombre en su fatigoso camino desde los orígenes hasta el final de la historia. Desde aquí habla el genio delicado y profundo de Rafael, mostrando en la variedad de sus pinturas, y especialmente en la « Disputa » del Apartamento de la Signatura, el misterio de la revelación del Dios Trinitario, que en la Eucaristía se hace compañía del hombre y proyecta luz sobre las preguntas y las expectativas de la inteligencia humana. Desde aquí, desde la majestuosa Basílica dedicada al Príncipe de los Apóstoles, desde la columnata que arranca de sus puertas como dos brazos abiertos para acoger a la humanidad, siguen hablando aún Bramante, Bernini, Borromini o Maderno, por citar sólo los más grandes, ofreciendo plásticamente el sentido del misterio que hace de la Iglesia una comunidad universal, hospitalaria, madre y compañera de viaje de cada hombre en la búsqueda de Dios. El arte sagrado ha encontrado en este extraordinario complejo una expresión de excepcional fuerza, alcanzando niveles de imperecedero valor estético y religioso a la vez. Sea bajo el impulso del Humanismo y del Renacimiento, sea por influjo de las sucesivas tendencias de la cultura y de la ciencia, su característica más destacada es el creciente interés por el hombre, el mundo y la realidad de la historia. Este interés, por sí mismo, en modo alguno supone un peligro para la fe cristiana, centrada en el misterio de la Encarnación y, por consiguiente, en la valoración del hombre por parte de Dios. Lo demuestran precisamente los grandes artistas apenas mencionados. Baste pensar en el modo en que Miguel Ángel expresa, en sus pinturas y esculturas, la belleza del cuerpo …….6 Por lo demás, en el nuevo ambiente de los últimos siglos, donde parece que parte de la sociedad se ha hecho indiferente a la fe, tampoco el arte religioso ha interrumpido su camino. La constatación se amplía si, de las artes figurativas, pasamos a considerar el gran desarrollo que también en este período de tiempo ha tenido la música sagrada, compuesta para las celebraciones litúrgicas o vinculada al menos a temas religiosos. Además de tantos artistas que se han dedicado preferentemente a ella —cómo no recordar a Pier Luigi da Palestrina, a Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria—, es bien sabido que muchos grandes compositores —desde Händel a Bach, desde Mozart a Schubert, desde Beethoven a Berlioz, desde Liszt a Verdi— nos han dejado asimismo obras de gran inspiración en este campo. Hacia un diálogo renovado 10. Es cierto, sin embargo, que en la edad moderna, junto a este humanismo cristiano que ha seguido produciendo significativas obras de cultura y arte, se ha ido también afirmando progresivamente una forma de humanismo caracterizado por la ausencia de Dios y con frecuencia por la oposición a Él. Este clima ha llevado a veces a una cierta separación entre el mundo del arte y el de la fe, al menos en el sentido de un menor interés en muchos artistas por los temas religiosos. Vosotros sabéis que, a pesar de ello, la Iglesia ha seguido alimentando un gran aprecio por el valor del arte como tal. En efecto, el arte, incluso más allá de sus expresiones más típicamente religiosas, cuando es auténtico, tiene una íntima afinidad con el mundo de la fe, de modo que, hasta en las condiciones de mayor desapego de la cultura respecto a la Iglesia, precisamente el arte continúa siendo una especie de puente tendido hacia la experiencia religiosa. En cuanto búsqueda de la belleza, fruto de una imaginación que va más allá de lo cotidiano, es por su naturaleza una especie de llamada al Misterio. Incluso cuando escudriña las profundidades más oscuras del alma o los aspectos más desconcertantes del mal, el artista se hace de algún modo voz de la expectativa universal de redención. Se comprende así el especial interés de la Iglesia por el diálogo con el arte y su deseo de que en nuestro tiempo se realice una nueva alianza con los artistas, como auspiciaba mi venerado predecesor Pablo VI en su vibrante discurso dirigido a los artistas durante el singular encuentro en la Capilla Sixtina el 7 de mayo de …….7 La Iglesia espera que de esta colaboración surja una renovada «epifanía» de belleza para nuestro tiempo, así como respuestas adecuadas a las exigencias propias de la comunidad cristiana. En el espíritu del Concilio Vaticano II 11. El Concilio Vaticano II ha puesto las bases de una renovada relación entre la Iglesia y la cultura, que tiene inmediatas repercusiones también en el mundo del arte. Es una relación que se presenta bajo el signo de la amistad, de la apertura y del diálogo. En la Constitución pastoral Gaudium et Spes, los Padres conciliares subrayaron la «gran importancia» de la literatura y las artes en la vida del hombre: «También la literatura y el arte tienen gran importancia para la vida de la Iglesia, ya que pretenden estudiar la índole propia del hombre, sus problemas y su experiencia en el esfuerzo por conocerse mejor y perfeccionarse a sí mismo y al mundo; se afanan por descubrir su situación en la historia y en el universo, por iluminar…